El problema de disparar mucho, sin la calma y atención necesarias, es que se aprende poco.
La ráfaga está indicada, especialmente cuando nos encontramos con objetos o personas en movimiento: actividades deportivas, carreras de automóviles… Pero no hay que olvidar que el objetivo aquí es conseguir una imagen con cierta belleza.
Llevar demasiado equipo
La frase “la fotografía se hace con la mente y el corazón” sigue delimitando perfectamente la frontera entre el aficionado a la técnica y el artista. La fascinación por el equipo fotográfico es comprensible, tanto como lo es la pasión por los relojes y los automóviles, pero el mejor equipo o la mayor gama de ópticas poco van a hacer para convertirnos en grandes fotógrafos.
No ver más allá de lo que tenemos delante
La sensación de confusión, de colores, de ruidos hace que nuestra atención no consiga centrarse en lo que realmente debería interesarnos una vez calmados. Desgraciadamente la mayoría de las veces comprendemos que esto es así al volver a casa y ver que la mayoría de las fotografías que hemos realizado no se corresponden con lo que creíamos haber inmortalizado.
No acercarse lo suficiente
Ello conlleva la necesidad de acercarse a la persona, pero somos tímidos, no queremos molestar o tenemos miedo del otro. Sin embargo, del mismo modo que es imposible hacer tortillas sin romper huevos, es complicado hacer fotografías de personas sin acercarse a ellas.
Olvidarse de comunicar
Los gestos, la sonrisa, la mirada a los ojos, el truco de magia. Aprender a decir gracias es importante, pero lo es mucho más tener una actitud amable y franca independientemente de lo que seamos capaces de decir en uno u otro idioma.
Siempre expresamos gestos y gustos cuando nos adaptamos a un instrumento musical como es la guitarra algunas personas sienten diferentes expresiones cuando la tienen entre sus manos. Una guitarra es el máximo placer para observar y tocar. Es el mejor instrumento para expresar el amor hacia una persona con mucha esencia de romanticismo.
El periodismo es carente, es un largo y tortuoso camino de aprendizaje; es la mala conciencia de la sociedad, del dominio o autoridad y de uno mismo; los dioses pueden prescindir de ella. El periodismo es una carrera que tiene que jugarse la vida para poder hacer evidencias como fotos que puedan ver el lector para que critique lo que está bien o mal.
Si uno se considera, a más de creador, infinito, inmutable, incomparable, inigualable y perfecto; inescrutable, insondable, omnipotente, todopoderoso, omnisciente, omnipresente; el único digno de devoción; soberano, supremo, incorruptible, seguramente no puede ser un buen periodista.
Se trataba de una de las más impactantes revelaciones sobre abusos infantiles sistemáticos en el seno de la Iglesia Católica. Más de una década después, En primera plana, una de las películas que más genuinamente aspiran al Oscar, reconstruye la historia del equipo periodístico del Globe que llevaba a cabo estas investigaciones especiales y que recibía el nombre de Spotlight (título del film en el original). Dirigida por Tom McCarthy y con actuaciones de Michael Keaton como el director de Spotlight y Mark Ruffalo y Rachel McAdams como sus principales espadas periodísticas, En primera plana pone el acento en los mecanismos de la investigación y la trama de las complicidades más allá del seguimiento de casos personales.
La vida en los suburbios en las grandes ciudades latinoamericanas se ha ido deteriorando progresivamente. En el caso concreto de la película se nos muestra la evolución de una urbanización construida en los años sesenta con el propósito de albergar familias sin vivienda, y que en poco tiempo acabó convertida en una ciudad marginal regida por sus propias leyes e impenetrable para quienes no viven allí. Se trata de barrios para gente pobre, en muchas ocasiones expulsados de las zonas rurales por falta de oportunidades. Una vez en la ciudad su vida cotidiana se irá degradando, sin políticas públicas y sin empleo. De hecho, los jóvenes crecen sin una socialización en el trabajo.
Progresivamente la delincuencia irá tomando mayor peso en la articulación social de la comunidad. La violencia arrastra a los habitantes de la favela como única garantía de éxito y/o de supervivencia. La misma evolución de las formas en las que se desenvuelve la delincuencia resulta significativa: de las situaciones casi románticas de los primeros ladrones de las favelas en los años sesenta, justo cuando nace el asentamiento de Ciudad de Dios, con unos delincuentes cargados aún de inocencia, hasta el progresivo incremento de la violencia, el uso de las armas de fuego y la expansión del narcotráfico en los años setenta, para llegar a una situación de caos total al final de la década siguiente. Un momento central en esta evolución es el momento en el que Ze Pequeño decide que lo que hay que hacer es dejar de robar y dedicarse a traficar con droga. Desde ese momento todo adquiere unas dimensiones desproporcionadas y la economía de la droga adquiere un protagonismo fundamental en la vida de los suburbios urbanos.
El texto trata de poner el relieve de la dependencia, admiración y continuidad que se producen entre la fotografía y las artes plásticas. A lo largo del ensayo se ponen en evidencia las enormes vinculaciones entre la fotografía y los distintos movimientos artísticos: futurismo, dadaísmo, constructivismo y surrealismo, analizando sus aportaciones. Fue objeto, prácticamente todos los pintores y escultores comenzaron a utilizarla, aunque de forma clandestina y sin reconocer públicamente los beneficios que les aportaban. Pero la fotografía no sólo se utilizó como un instrumento que facilitaba la concepción final de la obra: surgió lo que se ha denominado la «mirada fotográfica» es decir una nueva forma de contemplar la realidad dependiendo directamente de las enormes potencialidades de las lentes ópticas. Pero la fotografía no se utilizó sólo como apoyo a las pinturas de caballete o las esculturas.
Fotografía y Vanguardia
A principios del siglo XX, el mundo del arte entró en una profunda revolución. Se sentía una necesidad de romper con las formas tradicionales de representación artística predominantes en la época. Hasta ese momento el arte ilustraba fielmente el mundo que lo rodeaba. La creatividad y las cualidades del artista eran aportadas por elementos como la luz o el encuadre. Fruto de este deseo de ruptura con lo figurativo nacen las llamadas vanguardias. La fotografía, como elemento artístico, no fue ajena a todos estos cambios y siguió un camino paralelo a la pintura. Las doctrinas que la fotografía adoptó fueron el surrealismo, el dadaísmo, el expresionismo y el futurismo, entre otras.
Fotografía y Vanguardia
Fotografía y Futurismo
El futurismo consideraba como elementos principales el valor, la audacia y la revolución, ya que se mostraba como un movimiento agresivo y violento a simple vista. Exhibía la exaltación, lo sensual, lo nacional y guerrero, con dos temas predominantes: la máquina y el movimiento. Se busca el escándalo, se admira la velocidad y la tecnología, se refugia en la identidad del mundo moderno y pretende romper con el pasado. Lo importante era resultar original, lo que después surgirá como la idea de provocar. Uno de los aspectos más interesantes del futurismo fue su intento de captar la sensación de movimiento.
El futurismo en la fotografía está ligado a la evolución del arte alejado de lo tradicional, dejando totalmente de lado las bellas artes para introducir al arte en un mundo veloz apoyado del ideal progresista en cuanto a las tecnologías y su rápida expansión. La sensación de desdoblamiento en estas obras es apropósito de la velocidad que quieren expresar a través del movimiento sugerido o barrido como se conoce la técnica fotográfica, también es utilizada la técnica de doble exposición.
Fotografía y Futurismo
La Fotografía y el Dadaísmo
El dadaísmo surge a principios del siglo XX en Suiza de la mano de Tristán Tzara y Hugo Ball. Nace como protesta contra las normas ortodoxas causantes de la primera Guerra Mundial. Los dadaístas niegan el concepto de la razón positivista y se revelan contra el arte burgués imperante en la época. Es por esto por lo que son conocidos como los «anti-artistas». El movimiento dada era un modo de vivir para sus integrantes. Tenían una actitud burlesca y humorística y su base principal es el absurdo. Sus obras literarias son meras sucesiones de palabras, a veces incomprensibles.
Un exponente como Man Ray fue uno de los precursores de la fotografía dadaísta. Junto con Marcel Duchamp y Francis Picabia fundaron el dadaísmo neoyorquino. Posteriormente, lo fundarían en París. Fotógrafos como Alfred Stieglitz apoyaron el movimiento dada en Nueva York. En países como Alemania las fotografías dadaístas tuvieron un marcado carácter ideológico y político. Los ideales anarquistas y comunistas fueron los más relacionados con este tipo de arte. Hannah Höch y John Heartfield fueron dos de los autores más importantes de la vanguardia alemana.
Fotografía y Dadaísmo
Fotografía y Bauhaus
Durante el Siglo XX se desarrolló una Escuela que revolucionó el Mundo de las artes y que investigó especialmente en temas de diseño industrial y explotó como ninguna los recursos disponibles, tanto históricos como contemporáneos, para sacar lo mejor de cada uno de ellos. Hablamos de la Escuela de la Bauhaus. Johannes Itten fue un profesor de esa Escuela, nació en Suiza en 1888, participó como miembro del profesorado de la Escuela durante un corto periodo de 4 años entre 1919 y 1922. A lo largo de su vida, trabajó en torno a la pintura y al diseño, escribió libros como “The Elements of Color” o “Design and Form: The Basic Course at the Bauhaus and Later, Revised Edition” e introdujo a estudiantes de la Bauhaus en el mundo de la Fotografía. En 1919 en Weimar, Alemania, se fundó el instituto Bauhaus, que buscaba fusionar al arte y a la ingeniería, pues ambas podían complementarse y, por ende, beneficiarse. De esa manera, la Bauhaus (como se conoce comúnmente) representó una revolución en el arte y el diseño.
Dado el carácter innovador del instituto, en 1923 apareció el antecedente de lo que se convertiría en la asignatura de fotografía; fue un taller que estuvo a cargo de Lázlo Moholy-Nagy, quien enseñó técnicas como el fotomontaje, el montaje lumínico, la foto escultura y el collage. La asignatura, propiamente, surgió hasta 1929, dada la demanda hacia al taller del profesor Moholy-Nagy, y aportó a grandes fotógrafos como Walter Peterhans, Ellen Auerbach, Lucia Moholy, Otto Maximilian Unbehr (Umbo), entre otros.
Fotografía y Bauhaus
Fotografía y Constructivismo
Ya no interesa el punto de vista horizontal del hombre de a pie. Liberado de los convencionalismos y gracias a las pequeñas cámaras Leica, Rodchenko experimenta con nuevos ángulos. Picados, contrapicados, horizontes inclinados, fotos de árboles como si fuesen chimeneas industriales, perspectivas forzadas
Otra de sus influencias se encuentra en los primeros fotomontajes que se comienzan a realizar procedentes principalmente de Bauhaus, los dadaístas y otras vanguardias europeas. Para él los fotomontajes forman un lenguaje nuevo y muy atractivo. En sus comienzos los realiza con fotografías de otros artistas, en 1924 comienza a tomar sus propias fotos.El componente social está muy presente en la obra de Rodchenko ya que estuvo al servicio de su patria y muy marcada por su ideología bolchevique. A menudo la fotografía está protagonizada por la tecnología, las ciudades, aviones y otras maquinas modernas de la época.
Los resultados son fascinantes, pues, a pesar de que los fotógrafos tuvieron una misma formación y existen rasgos parecidos en sus trabajos, es evidente el estilo de cada uno. En las fotografías de Walter Peterhans puede observarse el cuidado de la geometría y la composición con naturalezas muertas, mientras que en las obras de Ellen Auerbach, se distingue un acercamiento a la femineidad, que además expresa las demandas de su contexto. En el trabajo de Lucia Moholy puede notarse un carácter mucho más documentalista que el de los dos fotógrafos antes mencionados, pues ella hizo, sobre todo, retratos; Umbo, por su parte, promovió la fotografía urbana y, así como Aurebach, le dio un enfoque diferente a la imagen de la mujer.
Fotografía y Constructivismo
La fotografía y el surrealismo
El surrealismo es el heredero artístico del dadaísmo. Ambos movimientos compartieron muchos planteamientos estéticos y ciertos artistas, como Marcel Duchamp o Man Ray.
El surrealismo como vanguardia fue fundado a principios de los años 20 del siglo XX por André Bretón. El artista francés sentó las bases del movimiento en el manifiesto publicado en 1924. En sus orígenes, el surrealismo surgió como un estilo literario, pero pronto se extendió a otras artes, entre ellas la pintura y la fotografía. Pronto se convirtió en una corriente universal que vino para quedarse. André Bretón describió el surrealismo como el automatismo psíquico puro. A través de este automatismo el artista intenta expresar cómo funciona realmente el pensamiento humano. La razón no intervendrá en sus manifestaciones y dejará de lado las preocupaciones morales o estéticas. El surrealismo inundó la fotografía de artistas como Man Ray, que ya había practicado el dadaísmo. Tomó de este movimiento algunas técnicas como el collage y las llevó más allá creando otras nuevas.
En el parque Bolívar de la ciudad de Loja-Ecuador comenzó la precaución para conservar las áreas verdes. La iniciativa poco a poco se ha venido desarrollando desde mediados del mes de Mayo. La gestión ambiental y conjuntamente con el Municipio tratan de precautelar y conservar los parques y jardines dentro de toda la ciudad. Entre 9 a 10 personas realizan el trabajo no constantemente sino en pocas ocasiones tratando de realizarlo lo mas pronto posible.
MORADORES DEL SECTOR DENUNCIAN UN LUGAR DESOLADO COMO BASURERO
En la calle Olmedo y Leopoldo Palacios frente a la clínica Abendaño esquina
CARLOS OJEDA 